文化・芸術

2020年2月11日 (火)

「大塚直哉レクチャー・コンサート 3 ”平均律wohltemperiert”の謎」:ゴキゲンな鍵盤

200211 オルガンとチェンバロで聴き比べるバッハの"平均律"
会場:彩の国さいたま芸術劇場音楽ホール
2020年2月2日

このシリーズもいよいよ3回目の最終回である。(1回目2回目の感想)
1回目のときは自由席だったのが客が予想よりも多数来たせいか混乱が起こって、以降は指定席となった。この日もほぼ満員だった。

この日は平均率第1集の第18番からラスト24番まで。やはりチェンバロとポジティフ・オルガンの両方で弾いて聞き比べをやった。

前半は果たして「クラヴィーア」とはどの楽器を指すか?ということを中心にレクチャー。ステージにクラヴィコードも置いてあって、途中でカメラで3種の「クラヴィーア」を接近撮影して大きなモニターで見せるということをやった。
クラヴィコードに関しては見本として置いてあっただけで実際の演奏がなかったのは残念。ちょっと鍵盤を叩いたけど、とてもホールで聞けるような音量ではなかった。
バッハや弟子は普段はこれを使って弾いていただろうとのこと。近江楽堂あたりで聞いてみたいところだ。

後半はそもそも「平均律」こと ”wohltemperiert”とは何かがテーマだった。訳語が問題で、原語に「均等」という意味はなく、そもそもお風呂やワインの「適当な温度」の形容で使われるのだという。座りのいい日本語はないらしい。
その調律についても詳しく説明があった。楽譜の表紙上部のいたずら書きみたいな渦巻きが、調律法を表すとはにわかには信じられず。ボールペンの試し書きにしか見えません🌀(当時はボールペンないけど)

毎度のことながらチェンバロとポジティフ・オルガン、どちらの演奏も味わいがあり一つに選べない。
最終24番はそれぞれの楽器で全く異なって聞こえた。

第1巻はこれで終了だが、なんと次は第2巻に突入とのことだ。もちろん、セット券でチケットを購入した(^^)
終了後はサイン会もやっていた。ご苦労様ですm(__)m
ところで、調律をやっていたのは製作者のガルニエ氏(の息子)?

さて、このレクチャー・コンサートシリーズ、毎回ほぼ満員状態である。クラシック離れ、古楽離れなどどこ吹く風という人気だ。こんな濃い内容に客が入るのはなぜなのだろうか。考えてみた。
*チケ代が安い。(2000円)
*日曜の昼間という日時設定。
*鍵盤学習者が勉強のため大挙押し寄せる。
*大塚氏個人の人気。
他にあるかな(?_?)

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2020年2月 9日 (日)

「ダムタイプ|アクション+リフレクション」

200209 会場:東京都現代美術館
2019年11月16日~2020年2月16日

パフォーマンス・グループのダムタイプの展覧会である。といっても、パフォーマンス自体をやるわけではないから、どうなっているのかと思ったら、それまでの活動と並行して制作された巨大なインスタレーションが中心だった。

それ以外には過去の記録--長いガラスケースにチラシやパンフなどを時代順に展示したものと、分厚い大きなファイルがあった。後者は着想メモなども入っているらしいが、私が行った時は一人の中年男性が長時間独占していて全く見ることはできなかった。
前者は行ったことも忘れていたワタリウムでの展示の記録もあったりして懐かしかった。

入ってすぐある16台のターンテーブルの作品はどう鑑賞したらいいのか迷った。それぞれが勝手に音やノイズを光とともに発しては沈黙するというのを、あらかじめプログラムされて繰り返している。
しばらく眺めてから、16台の間をそぞろ歩いてランダムな音に耳を傾ければいいのだと思った。

「LOVERS」は故・古橋悌二名義で過去に東京オペラシティアートギャラリーで展示されたのを見たことがある。それよりもだいぶ狭い空間に設置されているが、これが元々の構想にふさわしいらしい。
裸の男女の映像が複数、周囲の壁にバラバラに投影されてランダムに駈け寄ったり抱き合ったりする(ように見える)。監視スタッフの人に尋ねたら、インタラクティブに客の動きに対応するような仕組みではないらしい。

これを見ている途中に制服姿の高校生の団体が入ってきて、ものすごい勢いで一周して出て行った。その速さに驚いた。美術の授業……なんだろうか。隣でやってるミナペルホネンの方が目当てだったのかもしれない。

壁一面の巨大ビデオ・インスタレーションはソニー系列が協力しているだけあって、とてもクリアで美しかった。ただ、ずっと見ていると目がチカチカしてしまう。

最後にはパフォーマンス「pH」で使用された移動するトラスが縮小サイズで再現されていた。床面数十センチを一定の間隔で進んではまた戻ってくる。上演時にはダンサーはその上を飛び越えたり下を潜ったりしていたものだ。

この展示では床面に入ることができて、客が飛び越えてよいらしい。しかし、あの高さをまたげる人はかなり身長ないと無理では……(^^; 引っかかって壊したりして。私の身長では潜るしかない。
平日に行ったので客が少なく誰もトライする人はいなかったが、休日だったらいただろうか。ぜひ見たかった。

過去のパフォーマンスのビデオは3カ所にあったが、かなり狭いスペースに押し込められていた。もう少し広い場所だったらよかったのに。
過去の活動を映像で見せるのが主眼ではないということなのだろうが、リアルタイムで見てない人はそれでしか知りようがないのから、何とかしてほしかった。

彼らのパフォーマンスを実際見たのは「pH」が1回、「S/N」が2回である。
「S/N」を見て驚いたのはダンサーたちが後ろ向きに倒れてバタンと落ちる動作だった。それまでステージ上であんな動きを目にしたことはないので衝撃だった。
「pH」では3人の女性ダンサーがずーっと動きっぱなしで、床面を容赦なく移動するトラスを飛んだり避けたりする。しかもハイヒールを履いているのだ。
観客はそれを上方から見下ろす形式なのだが、いつか引っかかるのではないかとハラハラしながら見続けることになる。その間中ジリジリとした緊張が続き、見ているだけで冷や汗をかいてしまうのだった。
こちらの記事を読むとやはり大変だったもよう。

なお、都現美では同時期に「ミナ ペルホネン/皆川明 つづく」も開催していて、様々なメディアで紹介されたせいかこちらの方は女性を中心にかなりの盛況だった。
チケット売り場は同じなので、土日は長い行列ができてダムタイプだけの入場券を買うのにも50分待ちだったらしい。

ついでにコレクション展も見た。
岡本信次郎という画家の巨大作品がバカバカしくて面白かった。偏執的かつナンセンスな筆致で自分が生きてきた戦中戦後が描かれ、東京大空襲と湾岸戦争が並列されるのだった。
フィリピン女性への虐待被害を綴ったブレンダ・ファハルドの連作には、日本での事件も出て来てウツになるのは必至だろう。

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2020年1月24日 (金)

「ニューヨーク・アートシーン」

200124a ロスコ、ウォーホルから草間彌生、バスキアまで
会場:埼玉県立近代美術館
2019年11月14日~2020年1月19日

埼玉の数少ない文化的施設である県立近代美術館で開催。現代アートの代表的作品が作者ごとに1~3点展示されている。サブタイトルに「滋賀県立近代美術館コレクションを中心に」とあり、日本国内を巡回しているらしい。

ウォーホル、ロスコ、シンディ・シャーマン、バスキア等々。デュシャンの便器もちゃんとあり。現代美術の教科書そのままと言っていいくらいに有名作品が多数展示されている。実物をまとめて見られるので学生さんや入門者にもオススメだろう。

個人的にはロスコの独り占め状態にニヤニヤとし、アド・ラインハートの黒色にやられた。黒といえばステラの「ゲッティ廟」も巨大で迫力だった。以前にも見たことがあるはずだが、ドーンと迫るものがあった。
ウエイトレスがコーヒーを注ぐ姿を描いたジョージ・シーガルの像は、よくこんな瞬間を捉えたものよ--と言いたくなるほどに密かに息づいていた。
あと、久し振りにボロフスキー作品を見た。オペラシティの「歌う男」の作者である。カバンを持った男の影だけが浮かび上がる。あの脱力ユーモアがいい。

小さい子を抱きかかえて見て回ってる若いお母さんがいて大変そうだった(ダンナの方は赤ん坊の寝ているベビーカーを押してゆっくり鑑賞)。どれを見ても「これなに?」とひっきりなしに聞かれて「おマルだねえ~」(デュシャンの便器のこと)などと答えていた。
ちと年齢的に早すぎではあるが、でも今から見せておけば将来は立派なアーティストになるかも(^^)

荷物用コインロッカーの中に常設展示されている宮島達男の作品は、まだ透明の扉の奥で数字を刻んでいた。もう25年も経っているのかと驚いてしまった。
あれは世界の電気が尽きる日まで展示されるのだろうか。
彼の作品もやはりオペラシティの外階段にある(階段に埋め込まれた数字が明滅している)が、停止しているものが結構ある。やはり野外だと維持が難しいようだ。

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2019年12月29日 (日)

やなぎみわ展「神話機械」&ライブパフォーマンス「MM」

191229 会場:神奈川県民ホールギャラリー
2019年10月20日~12月1日

やなぎみわは昔、写真を中心に活動していた頃は東京で展覧会があって何回か見ることができた。その後、関西に拠点を構えて演劇やパフォーマンスをやるようになってからは縁がなくなってしまった。
神奈川芸術劇場でも上演したことがあったのだが、気付いた時には終わっていた。今回は、事前に展覧会があると知って行くことが出来たのである。
期間の終わりの二日間だけライブでパフォーマンスをやるということで、埼玉から何回も行くのは面倒なので、両方同じ日に見ることにした。ライブのチケットで展覧会にも入れるのだ。

展覧会は大型写真作品と巨大演劇空間「神話機械」、演劇作品4本のアーカイブからなる。
写真の方は2000年代初めのものが中心。女の子が童話の登場人物や自分が老婆になった時を創造してその姿に扮する。(過去の感想
中に映像作品で、少女と老婆が互いに寝かしつけようと格闘するのが笑えた。最後には童話風のセットそのものが崩壊していく。

「次の階を探して」は架空のエレベーターガールたちを美しいが無機的な空間に配置した、初期のシリーズの一つ。1996年作品で今となっては懐かしい。赤いハイヒールの革作品は初めて見たけど #KuToo の先取りかも。

広いスペースを使った「神話機械」は最近の作品。動きがプログラムされたマシンが4台あって、空間の中を動き回って無人のパフォーマンスを行う。これは時間を決めて日に3回稼働していた。
痙攣してのたうつような動きをするだけのものもあれば、ベルトコンベア上のドクロを壁に向かって投擲するマシンもある(当然ドッカンと大きな音がする)。と思えばセリフを語って移動するものもあった。
動いてない時は巨大インスタレーションとして見ることができる。

また演劇アーカイブ・コーナーでは過去の作品4作が資料と映像でたどれるようになっていた。東京ローズを題材にした「ゼロ・アワー」が面白そう。中上健次の原作による「日輪の翼」はトレーラーで移動し各地で上演したらしい。横浜に来た時に見たかった。

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さて、二日間のみのライブ・パフォーマンスはギャラリー閉館後に行われた。
「神話機械」のスペースでトランスジェンダーの役者とマシンが共演するというもので、「ハムレット」とハイナー・ミュラーのテキストを使用。音楽も奏者は観客からは見えないが即興でその場で付けているとのことだった。
一時間ぐらいの長さで、シェークスピアやギリシャ神話の登場人物が交錯する。ミュラーの作品を知らないと難解な部分を感じた。
役者の身体と言葉が神話と権威に絶えず疑問と異議を唱える。床でのたうったり拍手喝采したりドクロを壁に投げつけたりする機械は、その良き助演者というところだろうか。

終了後は、やなぎみわとハイナー・ミュラーの翻訳者、神奈川県立近代美術館の館長のアフタートークがあった。各地を回るうちに内容は変化しているとのこと。劇場ではなく美術館という開放的なスペースでやることに意味がある、などという話もあった。

埼玉からはさすがに遠くてトークを聞いて帰ったら11時過ぎていた。おまけに寒い日だったし{{ (>_<) }}ツカレター
最初の方にも書いたが、最近は関西中心の活動なので情報を得にくい。今回この展覧会を知ったのはたまたま見た「神奈川芸術プレス」というPR誌に紹介記事が載っていたからである。
表紙が来年の二月末に神奈川でヘンデルのオペラ『シッラ』をやるファビオ・ビオンディで、インタビューも入っている。これを読むために貰ったら、その次のページがやなぎみわ展の記事だった。そうでなかったらこの展覧会が開催されたこと自体も知らなかったろう。
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2019年9月23日 (月)

「アートのお値段」:ノー・モア・マネー 芸術家のラスボスはあの人

190923 監督:ナサニエル・カーン
出演:アート界の皆さん
米国2018年

現代アートに興味のある人は見て損なしの面白いドキュメンタリーだった。
金、かね、カネ……の面からアートの価値を徹底追求。アーティスト、コレクター、サザビーズの担当者(オークショニアっていうの?)、評論家が様々に語る。「ギャラリスト」というのは「画商」のことか(?_?)

教科書に載るような過去の古典的名画は供給が限られているが、現代アートは作者が生きてて作品が作られ供給され続けるので、投機の対象となるのだという。
しかし、いくら高額で転売されても作った本人自身の儲けになるわけではないのがまた問題だ。
もはや「作品=カネ」はこの社会のシステムの一部として定着しているようだ。

実際に本人が登場して語るアーティストはJ・クーンズ。大きな工房を持ち何人ものスタッフが絵筆を握って制作。本人は直接描いたりしない。でも作るのは巨大インスタレーションだから莫大な金が動く。
売れっ子クーンズの逆がラリー・プーンズという画家(私はこの人知らなかったです)。過去に人気があったが忘れ去られている。
アフリカ系女性のN・A・クロスビーは、自分の絵画の値段が高騰していくのを達観したように眺めている。「アフリカ系」と「女性」というキーワードがさらに価値を押し上げているのかも知れない。

G・リヒターは作品はコレクターが持っているのではなく、美術館にあるのが望ましいと語った。サザビーズの担当者(リヒター押し)はその話を聞いて「倉庫で死蔵されるだけ」と笑った。
……だが、待ってくれい。バブル期に日本で民間に買われた大作アート(キーファーなど)は結局画商の倉庫で「塩漬け」になったという話を聞いたぞ。その後どうなったのか神のみぞ知る、である。

それ以外にバスキアやダミアン・ハーストの名が上げられ、高額な彼らの作品が紹介される。あの「牛の輪切り」はもはや過去の栄光になっているみたいだが。

一方、「多くの人がアートの『値段』は知っていても『価値』は知らない」と語る老コレクターが登場。彼の高額そうなマンションには高そうな作品がいくつも飾られている。彼はシニカルだがアートを愛しているのは間違いないだろう。
彼の出自が明らかになるくだりは興味深い。そんな彼でも監督のインタビューの果てにたどり着いた「芸術とは何?」という問いには答えられないのだ。

彼が熱心に自分のコレクションについて語る姿や、実際にアーティストの制作過程見せることによって、現代アートがよく分からない人への入門にもなっているようなのは面白い。
だがその現代アートというテーマにもかかわらず、それをひっくり返すオチ(ダ・ヴィンチの某作品がらみ)が最後に来たのには笑ってしまった。

なお、先日イギリスの宮殿に展示されていた黄金の便器(約1億3500万円の価値)が盗まれる事件が起きたが、この便器も作中で紹介されていた。材質は黄金なれど普通の便器のように配管され使用可能。
米国の美術館で展示されている場面では長蛇の列ができていた。個室で実際に使用できたらしい。それなら私も使ってみたいわい( ^^)/
なお、これ自体は「過剰な富を批判した作品」とのことだ。

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2019年8月22日 (木)

「ジュリアン・オピー」:電子カラスは液晶のドット抜けをつつくか

190822 会場:東京オペラシティアートギャラリー
2019年7月10日~9月23日

単純な色と線の絵で知られるジュリアン・オピー、過去作で一番ポピュラーなのはブラーのCDジャケットだろうか。それを担当した頃はまだ人物の顔にまだちゃんと目鼻があったのだが、最近の作品になるともはや何もない。
他には映像インスタレーションで、国立近代美術館のロビーに常設されてるものがある。広重や北斎の風景画をパロディにしたような作品で、じっとしげしげ見るようなものではなく、通りかかるたびに思い出したように眺める類いのものだ。

以前、水戸で大きな展覧会があったらしいが、残念ながら見ていない。今回はここ2年ぐらいの新作中心である。

190822b 会場に入るとチラシやポスターに使われている作品が正面にあって眼に入る。しかし、これがデカくて驚く(!o!) 高さ6メートルなどと作品リストに書いてある。
しかも平面作品かと思っていたら厳密にはそうではない。立体になるのか?不明。
壁に直接描いてあり、しかも服などの色が着いている部分は盛り上がっている、「着色した木材」を貼り付けてあるらしいのだ。

同じように都市の歩く人々を題材にして様々なメディアや形式で、いくつも展開されている。
極端に簡素化された線・色彩が人や物の個性や本質を逆に浮かび上がらせる。ノイズを消し去った果てに出現する「何か」。本来は、アートはそのようなノイズを拡張して見せて、本質を露わにするものだと思ってきたが、ここでは全くの逆である。
しかも特異なものでなく日常の光景ばかり扱っているのもいい。

笑ったのが、4人の男女がジョギングするように走っているアニメーションをLEDスクリーンで見せている作品。親と一緒に見に来ていた男の子が、「おもしろ~い」と叫びながら走る真似をしてたのだった。

190822c 他には素材の違う3匹の羊(実物大)インスタレーション、地面をつついている電子カラス(スクリーン上で)--これは作成時には実際に野外に置かれていたらしい。そうすると余計にナンセンス味を感じさせただろう。
やはり簡素化されて描かれた畑や谷の風景画は、独特の無機的な質感がある。と思ったら、アルミニウムの板に自動車塗料を使っているそうな。

最後は20枚の白黒スクリーンの連なりの中を泳ぐコイだった。実際のコイの動きをそのまま投影しているもよう。だがLEDスクリーンってずっと見ていると眼がチカチカしてくるのが難である。

音のみのサウンド作品も2点出品されていた。広い展示場に流れていたミニマルなピアノ曲みたいのが心地よかった。個人的に欲しいぐらい。こういう作品を「購入」するのってどうなるんだろう?

190822d 見応えありの展覧会だったが、同時期にやっているボルタンスキーや塩田千春に比較するとかなり客が少なかった。全点撮影可能となっていたけど、先の二つの展覧会は全体がテーマパーク風の造りになっていた。それが若い人を呼び込んでいるようである。
しかし、こちらはあくまでも正統的な展示方法を取っている。その違いなのか。


190822e さて、例のごとく上階の収蔵品展も見に行く。池田良二という銅版画家の作品がかなりのスペースで展示されている。
ぼんやりとした建築や遺跡の写真を元にしたらしい画像、そして読み取れぬ刻み込まれた細かい文字、いくら目をこらしても何一つハッキリとしない。そして、それらは失われた記憶のように美しい。
見ているうちに、どんよりと暗く淀んだ寒々しさが脳ミソにしみこんでくる。

こ、これは……何から何までJ・オピーとは正反対ではないか。わざと合わせて(合わないように)選んだのか(^^? 見たい奴だけ見に来い!てな感じかね。
しかし、こういうの好きである。この判然としない淀みにゆらゆらと漂っていく気分になる。
そのせいか、まともに鑑賞する人はほとんどいなくて、一人貸し切り状態だった。

今はなき「新潮45」の表紙を担当していたこともあったということで、その有名人を題材にしたシリーズも展示されていた。

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2019年8月 4日 (日)

「塩田千春展 魂がふるえる」:作品の糸はどこに

190804a 会場:森美術館
2019年6月20日~10月27日

夏休み期間に入ると会場の六本木ヒルズは混雑するだろうということで、その前に素早く見てきた。
チラシにも使われている赤い糸と鉄枠のボート、黒い糸と焼け焦げたピアノと木の椅子、つり下がった旅行鞄の群れなど大規模インスタレーションが目を奪う。
写真などで見るとやや重々しい印象を感じるが、実際に見るとそんなことはなく軽やかであっさりしていた。個人的には重くてどんよりしているものが好きなので、その点ではやや期待からずれていた。
以前評判になった《巨大な泥まみれの服を水が洗う》系の作品はなかった。見てみたかったけど……。一方、初期作品は《自分をいぢめる》系のパフォーマンスだったのか。映像になって残っていて、見てると苦しい。

中程度の大きさの作品で「ふたつのドレス」というのが面白かった。枠の中に二着の同じドレスが下がっているのだが、鏡が真ん中に入っていて、どこからどこまでが実物なのか鏡像なのかじっと眺めていてもよく分からない。ふと気付くと自分の姿が写っている。
舞台美術もかなり担当しているようで、海外だけでなく日本の新国立劇場のオペラもやっていた。

今時の美術展は撮影可能かどうかハッキリ明示するのが普通らしい。ここでも会場図を配って禁止の場所を知らせていた。
映像作品以外は撮影可能(9割以上OKだった)なのはいいけど、他人のカメラに入らないように鑑賞するのが一苦労である。
焦げたピアノをずっと何枚も撮ってる人がいたので、そこに近寄って見られない。宙づりトランクの展示室では、部屋の端から反対側の端に立ってる連れの女の子をずーっと撮ってる人がいて、その前を通らずには奥へ進めない。
どうやって通過したらええんじゃよ(`´メ) ちょっと腹が立った。

撮影に夢中になって、背負ったリュックが作品の糸に引っかかりそうになった人を見かけた。スタッフが必死に監視していたけど、土日曜とか混雑する時はかなり危ないように思えた。

私が行った時点では、図録がまだ出来てなくて予約のみになっていた。それなのに作品リストの配布も無し(撮影禁止場所の案内図は配ったのに)とはあんまりである。
ボルタンスキー展ではちゃんと作品リスト配ってくれたのにさ。これが国立と民間の違いか。
とはいえ同じ六本木で同時期にボルタンスキーと塩田千春を見られるとは幸運✨である。一日に双方を見て回ると面白いかもしれない。(あきらかにボルタンスキーっぽい作品もあった)

190804b
ついでに隣の展望台フロアでやってる「PIXERのひみつ展」にも入った。コンセプトは以前に東京都現代美術館での展覧会で展示していた様々な技法を、解説部分を簡略化して実際に映像を操作して遊べるというもの。
私もいくつかやってみましたよ。素人や子ども対象のものなので、複雑なものはなかった。
この日は天気悪くて人が少なかったが、夏休みに入って家族連れが押しかけたらどうなるのかね。操作台は順番待ちになっちゃうのか。

客のほとんどは若いカップルか友人同士。中高年で来ているのは私だけ(周囲の展望窓を見ている人はいた)だし、一人で操作してたのも私だけだった(^0^;)ナハハ
でも頑張ってグッズ売場にも突入したぞ。若いおかーさんが小さい子そっちのけで、両手いっぱいに細々したグッズを抱えていた。購入用のバスケットありますよ(^^) 多分、ピクサー見て育った世代。きっと自分用ですね🎵

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2019年7月15日 (月)

「クリスチャン・ボルタンスキー lifetime」:墓無き者に

190715a 会場:国立新美術館
2019年6月12日~9月2日

ボルタンスキー50年間にわたる活動の大回顧展来たる! 元々、単品では日本でも紹介されることの多かったアーティストだが、その性質上まとまっては見ることが出来なかった。過去に東京都庭園美術館で中規模の展覧会は行われている。(その感想はこちら

外は暑くてムシムシしている日だったが、中は冷房が効いていてかなり涼しい。上着持ってくればよかったというぐらい。
最初に観覧者を迎えるのは初期作品の映像だが、まともに見て(聞いてると)ゲゲエとなってしまうので、適当に飛ばす(^^; こんなのを過去に作っていたのかと驚きだ。
なお、上部の天井近い所にも「出発」という作品があるのでお見逃しなく。

入場時にやはり庭園美術館の時と同じく広げるとA2用紙の作品リストを渡される。客は暗い中をそれをゴソゴソと開いて作品をチェックすることになる。私のようにド近眼&老眼の人間にはかなりツライですな💨

広いスペースを取って展示されているのは「モニュメント」「聖遺物箱」「死んだスイス人の資料」など死者を扱った一連の作品である。二つの連続した展示室に祭壇のような幾つも連ねられている。死者の写真や引き出しのような箱、小さな電球が、ひんやりと暗く死の存在を伝えてくる。しかし箱やトランクケースは古めかしく、写真はぼんやりとしているのでその人物の姿は曖昧でしかない。
あたかも死の集積が存在の証であるようだ。なぜなら生きていなければ死ぬこともできない。忘れ去られた人が生きていたことを確かに伝えるのは死の事実だけなのである。

190715c もう一つの大きな空間は「ぼた山」で黒い服が巨大な山のように積み上げられている。
それの一画では「アニミタス」のシリーズが巨大スクリーンに映されている。今回、多数の風鈴が下げられているのはなんと冬のカナダの雪原で、そこは吹雪いている。
頭上からは冷房の風が吹き付けていて、真夏に見たら完全にかき氷を食べる以上に涼しくなれるだろう。
さらに別の巨大映像作品もあり(これはかなり音がウルサイ)。天井からも作品が下がっていたが、これはちょっと見にくかった。

190715d 黒服の山の周囲には、これまた黒服を着た簡略化された人型が数体点在している。こいつにはスピーカーが仕掛けてあり、そばに立つとそれぞれ異なる内容を喋るんである。「あなたはお母さんを一人で置いてきたの」みたいな結構シビアな語りかけだ(ーー;)
一体だけ無言のヤツがいるので注意。

その先には「来世」のネオンサインがペカペカと輝く。これを見ると彼の作品の基本は仏壇ではないかと思えてくる。思わず手を合わせる。

190715e


残りの作品は展示スペースが今ひとつ狭くて残念な感じだった。膨大な数の様々な衣服が壁に垂れ下がっている「保存室」は、もっと広い部屋だったら迫力だったろうけど……。
期間中に毎日3個ずつ電球が消えていく「黄昏」も狭い所に押し込められているようだった。ドーンと広い場所で見たい。
逆に小さな紙人形を使った「影」シリーズは、前に庭園美術館の小部屋で見た方が作品に合っていた。難しいもんである。
影の天使はチラシの写真だと古い教会の丸天井に飛ばしていたようだ。今回は下手すると気付かずに通り過ぎちゃう人も……。

190715b ボルタンスキーは死につつあることを証明するために生のイメージをも援用しているように思える。
ヒンヤリとした死の記憶と冷たい風景、そして小さくおぼろげなものへの郷愁--まことこの展覧会はお盆の時期に見るのにうってつけのようである。墓参りの代わりに行くのも一興だろう。

撮影可能スペースを一部に限定しているのはよかった。しばらく後に同じ六本木での塩田千春展行ったら、ほぼ全域で撮影できてみんな撮りまくっていた--のはいいけど、ハッキリ言って作品鑑賞のジャマ!であった。

なお、地下のアートショップやカフェのある無料フロアで、ボルタンスキーの過去をたどる映像(約50分)を常時やっているらしい。後で知って行けばよかったと思ったがもう遅いのであった(T_T)
また、表参道のルイ・ヴィトンでは関連企画で「アニミタス」シリーズの他作品をやっているとのこと。こちらは11月までと、かなり長期間だ。

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2019年7月 3日 (水)

音楽と身体その3「我らの人生のただ中にあって/バッハ無伴奏チェロ組曲」:動かざること……

190703a 出演:ローザス、ジャン=ギアス・ケレス
会場:東京芸術劇場プレイハウス
2019年5月18・19日

そもそもこれを見に行こうと思ったのはチェロのジャン=ギアス・ケラスが生演奏をするというのを知ったからである。
ベルギーのダンスカンパニーであるローザス--名前は聞いたことがあるぐらいだったが、この公演の広告をたまたま見たらチケット七千円じゃありませんか(!o!) ケラスの単独公演でも下手するとこの値段ぐらい取られそうなのに、さらに最先端のダンスとの合わせ技というのなら超お買い得である。
だからというわけではないだろうが、会場は満員だった。

しかし、ダンス公演というとどうも自分に合わないことが多いような……。かつて大枚はたいてフォーサイスを見たが「よく分からん」で終始してしまったことがある。ヤン・ファーブルについても同様だった。かなり不安あり。
ただ、昔はダムタイプが好きで何度か行ったし、少し前のノイズムも面白かった。もっともダムタイプはパフォーマンスの範疇だし、「ロミオとジュリエットたち」は半分演劇だから、純粋なダンスよりコンセプト寄りなのかしらん。

本作はバッハの無伴奏チェロを第1番から6番まで順番に、舞台上でケラスが弾くのに合わせて踊る(楽章飛ばす部分もあり)。曲ごとに四人の男性ダンサーのうち一人ずつ登場、主宰者兼振付のドゥ・ケースマイケルが途中で一緒に踊り出す(彼女はこれが最後の公演とのこと)。
5番はドゥ・ケースマイケル単独で、6番は全員で、と進行する。

ケラスはほぼ出ずっぱりで大変だー。ミスは許されない。途中でうっかり一音飛ばしちゃったらダンサーが足もつれさせて倒れたりして(^0^;;;
曲の間にダンサーがステージの上に星印(?)のような幾何学模様をテープで引っ張ったり描いたりする(1階席ではよく分からない。2階席からなら床面見えただろう)が、これはケラスのブレイクタイムの意味もあるだろう。
4番で彼が一度引っ込んでダンサーが無音で踊る場面があるのだが、すごーく小さくチェロの音が聞こえてこなかったか? 舞台の袖の奥の奥で弾いてるのではと思ったんだが。

で、結局私にはやっぱりよく分らなかったのだ💧 曲とダンスの関わりがである。あまりに身体の動きが不可解な言語のようでどうにも繋がらなかったのだ。
ゴルトベルク変奏曲聞くといつもラジオ体操を想起するのだが、今日もそれっぽい動きがあった。バッハ先生とラジオ体操は深いつながりがあるのだろうか。

唯一よかったのは5番で照明を絞った中で、ドゥ・ケースマイケルの身体が闇と光に見え隠れする部分だった。
まあ、前席に座っている二人の客の頭でステージがよく見えなかったせいもあるだろう。ステージ全体が見えるようにわざと後方の座席を選んだらこれである。二人とも男性だったがとりわけデカイという訳ではなく、劇場の構造のせいかもしれない。

その5番の中でケラスが一人真横からのスポットライトを背に浴びて弾く場面がある。その身体が放つパワーは強烈で、それを越えるものを他に見いだせなかった。
ほとんど動かず演奏し続ける彼こそがステージ上で最も雄弁であったように感じたのである。

17日18日と三日間連続で公演鑑賞したわけだが(疲れた!)、この日の彼を見て(聞いて)音楽の身体性を確認した三日間であったと再認識した。
通常、クラシックの公演では照明のような演出は行われないから、そのことは聴衆には明確に意識されないだろう。

が、優れた演奏家ならば既に音楽を自らの身体と一体化しているのだ。それを彼は闇と光のコントラストの中で明らかにして見せた。
思えば四百年前のリュートを爪弾く佐藤豊彦も、敬虔な静けさに満ちたスカルラッティを歌うエクス・ノーヴォ合唱団も、音楽の身体性を強く感じさせるものであった。

分かちがたく存在する音楽と身体、彼らは微動だにしなくともそれは明らかなのである。身体なくして音楽はなく、音楽なくしてその身体もない。
願わくば踊り手には演奏家に拮抗するだけの身体性を提示してもらいたかった。あくまで個人的な感想であるが--。まあやっぱり私はダンスはダメですな(+_+)

190703b しかし、ケラスの攻めの姿勢はすごいね。古楽グループと共演もすれば、このように異種格闘技のようなダンス公演にも参加とは。

さて、事前に無伴奏チェロを復習しておこうと思って我がCD棚を探したのだが、なんと鈴木秀美(の2回目の録音)しか見つからなかったのだ。思えば生演奏もヒデミ氏しか聞いてないような気が……。いや、スパッラのは何回か聞いたんですけど💦
CDガイドの類いを見ると、定番はモダン演奏ではカザルス、マイスキー、古楽系ではビルスマ、ヒデミとなっているようだ。
そこで既に沼(山ではない)と化している未聴CD群をごそごそと漁ったところ、引っ張り上げたのは、なんとP・パンドルフォのガンバによる演奏であった……(^^;ゞ ま、別にいいよね。




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2019年4月26日 (金)

「宮廷人の優雅なたしなみ」:画家の眼の中、音楽家の耳の中

190426ルネサンス音楽と絵画をつなぐ象徴の世界
演奏:ソフィオ・アルモニコ
会場:トーキョーコンサーツ・ラボ
2019年3月23日

ルネサンス・フルート吹き4人によるソフィオ・アルモニコ、コンサートは初めてである。この日はソプラノの鏑木綾とトークで愛知芸大の高梨光正が加わって、絵画と音楽の両面からルネサンスを体感するプログラムだった。

幾つかのテーマに分けて絵画の画像を出しながら解説しそれから演奏というもの。ただ、普通なら奏者は演奏だけでトークはしないという形式が多いが、この日はテーマごとに一人ずつ奏者も音楽面の方からの解説をやった。同じテーマでも音楽と絵画では捉え方が異なっていて、興味深かった。

特に「鳥」テーマで前田りり子が語ったアルカデルトの「優しい白鳥」についての音楽家側の解釈というのが、非常にぶっ飛んでいて笑ってしまった。(高梨氏には否定されてしまったが)
他に「運命」「目」「羊飼い」など。歌曲では歌詞の朗読もあり。ビックリしたり下世話な内容もあったりして(^^;盛りだくさん、分かりやすくて面白かった。
歌曲では歌詞の発音やアクセント、そして内容によって共感するイメージを作ると(妄想すると)うまく演奏できるそうである。では、果たして聞き手の方も妄想するといいのだろうか、なんて♨

美術史を教えているという高梨氏は高い年齢層の客席に向かって、学生向けのギャグを時折使用してはスベっていた。ギャグも対象を考慮して使用して頂きたいもんである。

会場は初めて行った場所。隣のスコットホールは以前来たことあるが。椅子を並べたレクチャールームみたいな部屋である。
客のとあるオヂサンは両隣に人がいないせいだと思うが、公演中に靴脱いで靴下(しかも穴が開いている)のクズを取っていた。そういうことは自分の家でやって欲しい。
また、客席内に前回前々回でも見かけた人をやはりここでも発見。狭い業界です(^^;ゞ


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